SEMANA INTERNACIONAL DE CINE DE VALLADOLID
50ª EDICIÓN (2005)
Dossier del Festival

Por Borja Sánchez Mayoral

INTRODUCCIÓN

Una vez más la Semana Internacional de Valladolid nos ha ofrecido la posibilidad de disfrutar de un buen cine que a veces no es fácil de alcanzar el resto del año. En esta flamante 50ª edición los avances prometían un programa de enorme interés en la Sección Oficial al contar con la presencia de obras de Costa-Gavras, Ang Lee, Yoji Yamada, los hermanos Dardenne, François Ozon, Michael Haneke y Lars Von Trier; Punto de Encuentro en cambio posiblemente haya bajado algo el nivel respecto a la cita anterior; Tiempo de Historia nos ha dejado sus documentales seleccionados y en esta ocasión debemos recordar la extraordinaria película 'Soy Cuba' (1964) -inédita en España- de Mikhail Kalatozov; no faltó tampoco a la cita Spanish Cinema, la sección dirigida principalmente a los espectadores que nos visitan desde fuera de nuestras fronteras; y por último el ciclo conmemorativo 50 Años Amando El Cine, que recogía una amplísima selección de películas de cineastas no sólo representativos en relación a la historia de la Seminci, sino también a nivel mundial, ya que pudimos encontrar filmes de Bergman, Bresson, Fellini, Truffaut, Tarkovski, Visconti, etc.

cartel 2005

El hecho de que hubiera un ciclo tan amplio fue un atractivo para muchos aficionados, puesto que la mayoría de los largometrajes y cortos allí proyectados eran excelentes y suponían una apuesta segura. El problema es que a veces la calidad de las copias no fue la óptima y además tuvieron que realizarse algunos cambios de programación. Asimismo, el hecho de traer una selección tan amplia hizo que en esta edición del Festival no hubiera hueco para ciclos interesantes de obras de difícil acceso como los que se programaron en años anteriores: por ejemplo Docs In Europe, País Invitado, retrospectiva a un director como la llevada a cabo el año pasado al israelí Amos Gitai... Un hecho que otros cinéfilos hubiesen valorado más, ya que las películas del ciclo 50 Años Amando El Cine eran por lo general bastante conocidas. Está claro que nunca llueve a gusto de todos y menos en cuestiones como la programación de un Festival de Cine.

Al final pudimos disfrutar de una variada propuesta cinematográfica que trataré de comentaros centrándome en esta ocasión en la Sección Oficial y resaltando lo que a mi juicio ha sido más relevante de ella. También hablaré un poco de los largometrajes que he visto en Punto de Encuentro y Tiempo de Historia. A pesar de que he asistido a un buen número de proyecciones de distintos ciclos, durante tres días me ha resultado imposible ver todas las que hubiera deseado (entre ellas la Espiga de Oro -'En La Cama'- y la Espiga de Plata -'El Tiempo Que Queda'-), y además esta vez mi intuición ha hecho que no eligiera bien algunas, por lo que varias obras destacadas no he podido verlas, y en consecuencia tampoco puedo analizarlas.

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SECCIÓN OFICIAL

ARCADIA
Costa-Gavras
Bélgica / Francia / España 2005

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Dos años después de haber sido homenajeado en la 48 edición de la Seminci, Costa-Gavras vuelve a visitarnos con su largometraje más reciente fuera de concurso. Basándose en la novela de serie negra 'The Ax' de Donald A. Westlake, en esta ocasión el veterano director francés de origen griego sitúa la trama en el presente mostrándonos una pesimista metáfora hiperbólica sobre la competitividad de las sociedades modernas. Después de trabajar durante 15 años en una empresa de papel, Bruno (José García) es despedido por una reestructuración. En principio no se preocupa demasiado ya que cuenta con una sólida preparación y piensa que no tardará mucho tiempo en encontrar un nuevo puesto directivo, pero la realidad es otra y el empleo deseado no aparece en los tres años siguientes. Esto hará que el protagonista decida pasar a la acción comenzando a eliminar a sus competidores directos para el cargo que desea.

Estamos ante una crítica durísima y exagerada a la sociedad actual, que viene a ser como una jungla neoliberal en la que la competencia es tan atroz que parece que hay que sobrevivir y salir adelante como sea, aunque eso suponga, en el caso del protagonista, ignorar los valores básicos y no respetar el derecho fundamental esencial, el derecho a la vida. Una sociedad enferma, en la que una de las causas de los problemas del personaje principal es la reestructuración económica, la deslocalización en la que se trasladan estructuras de empresas a países que tienen mano de obra barata. Bruno es un ciudadano de clase media-alta, por lo que parece que el desempleo no solo puede afectar a las clases obreras.

En esta especie de thriller con ciertas dosis de comedia negra (algo no demasiado habitual en su filmografía) el argumento se desarrolla con pulso firme al poseer un estupendo ritmo narrativo. La manera de afrontar un tema social y político comprometido a priori parece acertada y escapa de los tópicos de otros cineastas, pero a medida que avanza 'Arcadia', a pesar de ser correcta en forma y contenido, a veces da la sensación de resquebrajarse, quizás porque cuenta una historia algo disparatada. Aparte de ser bastante entretenida y de contar con un ritmo dinámico, posiblemente lo más valioso sean su interpretaciones. En su papel de persona egocéntrica hasta límites insoportables, José García demuestra madera de actor versátil con un personaje al que no se le pone nada por delante a la hora de llevar a cabo el objetivo de conservar el nivel de bienestar de su familia. Se ha puesto de manifiesto la similitud entre Bruno y el Monsieur Verdoux de Charles Chaplin que asesinaba mujeres para mantener su nivel de vida. Además del sobresaliente García, el resto del reparto realiza un buen trabajo, y entre ellos debemos destacar al gran Olivier Gourmet.

En relación a la partitura de Armand Amard, la interpretación de una sección de cuerdas subraya la intensidad del argumento, y por momentos parece llevar el sello del Kronos Quartet.

 

PING PONG MONGOL
Hao Ning
China 2004

fotograma

Dentro del campo de la música popular Yves Adrien dijo en 1979 en Novo Vision: "Si, Brian Eno ha resuelto el problema del aburrimiento: lo graba". Salvando las evidentes distancias es posible que algunos espectadores pensaran algo similar cuando finalizó la proyección de 'Ping Pong Mongol', una especie de "ambient cinematográfico" filmado en las enormes estepas de Mongolia. Por fortuna mi opinión no es esa, ya que a mi sí que me gustó la película (y también disfruto con Eno).

El argumento es minimalista; aquí van unas pistas: en un poblado nómada unos niños descubren una pelota de ping pong en el río y como no habían visto nunca una creen que es una perla o un objeto enviado por los dioses. A partir de estas mimbres el joven director Ning Hao construye un largometraje en el que se reproduce la forma de vida tradicional de un lugar en el que parece que el tiempo transcurre muy despacio. Los personajes están bien perfilados, en especial los críos que se convierten desde el principio en los protagonistas; su inocencia provocará más de una sonrisa. Otro personaje divertido es el feriante que les visita en su furgoneta chatarrosa y les trae objetos de la civilización moderna.

La inmensidad del paisaje estepario da mucho juego a la hora de utilizar grandes vistas panorámicas. Acorde con la suavidad de las imágenes la narración es lenta y cadenciosa, aunque no tan infinita como estas superficies tan vastas. Aparte de la interpretación de los niños -es especialmente gracioso uno de ellos-, lo mejor del filme es su excepcional fotografía, que le sirvió a Jie Du para obtener el Premio de la Seminci en este apartado. Una vez más se pone de manifiesto la calidad de los especialistas chinos en este oficio del cine.

 

EN TERRENO VEDADO
Ang Lee

Estados Unidos 2005

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La visita a Valladolid del realizador de origen taiwanés Ang Lee presentando fuera de concurso su última película, la ganadora del León de Oro en la pasada Mostra de Venecia, generó mucha expectación. 'En Terreno Vedado' parte de un relato homónimo de Annie Proulx y tiene un argumento en principio insólito: dos cowboys que se enamoran mientras están acampados cuidando de un rebaño de ovejas en los pastos altos de Brokeback en Wyoming. La larga historia de amor entre Ennis Del Mar (Heath Ledger) -un tipo duro y reservado que habla poco- y Jack Twist (Jake Gyllenhaal) -una persona también ruda aunque más alegre y decidida- logra emocionar por su brillante construcción.

Como ya hiciera anteriormente, Lee diseña una obra en la que está cuidado hasta el más pequeño detalle. En esta ocasión, la disección llevada a cabo de una porción de la sociedad americana entre 1963 y comienzos de los años 80 es de una precisión asombrosa. A través de un adecuado tratamiento de todos los personajes encontramos una historia de amor furtivo y de compañerismo que trata de sobrevivir en un entorno social machista y conservador. Durante lo que podríamos considerar la primera parte del largo se rinde un homenaje al western clásico y la fotografía de Rodrigo Prieto es bellísima (un ejemplo son las vistas panorámicas de paisajes espectaculares). Es en la montaña donde Ennis y Jack se conocen y se sienten mejor, y allí volverán esporádicamente después. La ambientación es en todo momento sobresaliente: en los hogares, los lugares de trabajo, las fiestas, el rodeo, los bailes y los bares (con la fantástica música country), etc.

'Brokeback Mountain' fue sin duda una de las mejores películas que se vieron en la Sección Oficial.

 

LA ESPADA OCULTA
Yoji Yamada

Japón 2004

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Lo que a priori y únicamente por su título les podría parecer a algunos espectadores un filme con varias escenas de lucha, resulta ser una emocionante historia de amor situada en el siglo XIX, en la que el "elemento guerrero" tiene poca presencia. El 78º trabajo como realizador del experimentado Yoji Yamada -que consiguió recientemente cierto éxito con 'El Ocaso Del Samurai' (2002)- es un drama histórico con alguna pincelada de humor ambientado en el norte de Japón, un país en el que la tradición de su sociedad feudal empieza a chocar con la modernidad. Este conflicto no sólo se da en el terreno de las costumbres sino también en el aspecto militar, debido a que los soldados empezarán a utilizar el armamento occidental. Al igual que en su anterior y premiado largometraje, Yamada vuelve a tomar como base relatos de Shuhei Fujisawa y transforma en imágenes en movimiento una sociedad de castas en la que sigue teniendo vigencia el Bushido, el código de honor de los samuráis. 'La Espada Oculta' refleja una época de cambio en la que están presentes, por un lado, el sentido del deber y la responsabilidad y, por el otro, las intrigas políticas y la corrupción.

La puesta en escena es relajada y podemos encontrar en ella referencias a clásicos del cine nipón como Akira Kurosawa y Yasujiro Ozu. Otro aspecto a tener en cuenta es su curiosa fotografía, ya que utiliza un color que puede recordar al empleado en algunos filmes de los 60 y 70. Por último no debemos olvidar que la banda sonora corre a cargo del veterano Isao Tomita.

 

EL NIÑO
Jean-Pierre y Luc Dardenne

Bélgica / Francia 2005

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Tres años después de que trajeran su anterior largometraje, el estremecedor 'El Hijo', los hermanos Dardenne regresan a un Festival querido para ellos, nuestra Seminci. En esta ocasión presentan en España 'El Niño', la flamante Palma de Oro en el último Festival de Cannes 2005. Su nuevo filme no debería sorprender a los seguidores de la trayectoria de los cineastas belgas, ya que incluye varios de sus rasgos que hacen que su cine sea inconfundible.

Con un estilo cercano al documental los Dardenne vuelven a plantear historias urbanas protagonizadas por personas que directa o indirectamente están relacionadas con clases sociales desfavorecidas. Una manera personal de enfocar la realidad que muestra abiertamente problemas y conflictos, y que se enmarca dentro de la corriente conocida como nuevo realismo europeo. En esta ocasión su cámara no es tan escrutiñadora como lo era en 'El Hijo', la cual podía llegar a agobiar a ciertos espectadores por sus movimientos o por la utilización de determinados encuadres. Su última creación puede considerarse una de sus películas más convencionales, al alejarse del radicalismo de su anterior largo y al tener más conexiones con 'La Promesa' (1996) o 'Rosetta' (1999). Aquí encontramos de nuevo situaciones similares a algunas ya filmadas por ellos, como los paseos de los protagonistas, los desplazamientos en moto, el gusto por determinados escenarios -los cercanos a zonas industriales, las autopistas-, etc.

Una vez más los personajes están definidos de manera adecuada, ya sea el ladronzuelo Bruno y su novia Sonia, o el pequeño compañero de aventuras del chico. Los protagonistas son también jóvenes y, en el caso que nos ocupa, la historia gira en torno a un inmaduro que lleva muy mal camino en la vida, y a una chica que pretende salir adelante con su hijo recién nacido. No se puede decir que estemos ante un largometraje pesimista, aunque si de contenido duro que en determinados momentos maneja bien la tensión. El sonido ambiente vuelve a ser un elemento a tener en cuenta, y en esta ocasión tiene importancia dentro de la narración (puede ser el caso del teléfono móvil). Además es digno de mención el hecho de que aparezcan fragmentos de música (clásica), pero su presencia es breve, como si se tratara de un espejismo sonoro.

ESCONDIDO
Michael Haneke

Francia / Austria / Alemania / Italia 2005

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Menos mal que Michael Haneke consiguió de forma merecida un galardón, el Premio 50 Aniversario junto con la excelente 'Manderlay' de Lars von Trier. El realizador austriaco vuelve a sacudirnos con una obra sobrecogedora en la que la planificación es milimétrica. Georges, un conocido periodista que ejerce como crítico literario, empieza a recibir unas cintas de video en las que aparece con su familia. Las acompañan unos dibujos de aparente trazado infantil, aunque de interpretación misteriosa e incluso amenazante. En el momento en que las imágenes de los vídeos le recuerdan a Georges un periodo de su pasado empieza a sospechar de una persona a la que hace tiempo que no ve.

A través de una trama escueta Haneke construye un thriller soberbio en el que se atrapa al espectador desde el primer momento. Utilizando un ritmo narrativo pausado y eficaz, una puesta en escena sobria -incluso en ocasiones algo austera pero muy efectiva, donde la iluminación tenue juega un papel relevante-, e insertando inquietantes imágenes de video, el director de 'La Pianista' consigue instaurar la zozobra. El autor austriaco juega con el espectador y le lleva a un terreno de incertidumbres, en el que la angustia va apoderándose de los miembros de una familia que empiezan a tener demasiadas dudas. Esa inseguridad trae a la memoria traumas que todavía no se han olvidado como la culpabilidad, la traición, la mala conciencia, el resentimiento o el dolor, que están conectados con hechos dramáticos del pasado relacionados, en este caso, con la guerra de Argelia y sus consecuencias. En el largometraje no se deja nada al azar y al final todo parece encajar, a pesar de que su última parte sea lo suficientemente abierta como para encontrar más de una respuesta y dé una sensación de ambigüedad.

Daniel Auteuil y Juliette Binoche realizan buenos interpretaciones como pareja protagonista en este film de tensión extrema. Al igual que en otras ocasiones Haneke se sirve del plano fijo para registrar determinados momentos. 'Caché' es una acertada reflexión sobre la violencia en sus diferentes caras: unas más explícitas y otras en mayor o menor medida encubiertas. Casi todos los espectadores recordarán dos planos demoledores; uno de ellos fácilmente se encuentre entre los más impactantes de los últimos años.

 

CONVERSACIONES CON OTRAS MUJERES
Hans Canosa

Estados Unidos 2005

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Una de las sorpresas del Festival y, al mismo tiempo, una de las mejores películas de la Sección Oficial fue la fresca propuesta de Hans Canosa. A través de un tema mas o menos recurrente, el de dos personas que estuvieron tiempo atrás enamoradas y ahora se vuelven a encontrar, el cineasta demuestra con su segundo largometraje ser una de las promesas del actual panorama cinematográfico norteamericano. En el presente de los protagonistas la fiebre vital de la juventud ha pasado, pero su encuentro sigue siendo tan excitante como lo podría haber sido antaño.

'Conversaciones Con Otras Mujeres' es una comedia audaz desde el punto de vista formal, ya que se desarrolla con la pantalla dividida en dos (split screen), lo que permite no sólo mostrar plano y contraplano (entre otros aspectos acción y reacción de los personajes), sino también repetir algunos planos, e incluso realizar un montaje paralelo en base a las vivencias pasadas de los protagonistas. La utilización constante de esta técnica podría dar la sensación de cansancio al espectador pero no es el caso, puesto que el film se sigue sin problemas y consigue atrapar al espectador. Además de una técnica atrevida y correctamente ejecutada, el guión de Gabrielle Zevin es acertado, lo que permite que la acción sea ágil y esté hilvanada con diálogos inteligentes y precisos que hacen que no solo no decaiga el ritmo en ningún momento, sino que en algunos instantes alcance interesantes cotas de intensidad. En relación con esto se nota que el director tiene una sólida preparación en el campo del teatro (en su etapa de estudiante en Harvard posee el record de ser el alumno no licenciado que dirigió más obras de teatro). Otro motivo para que la película llegue a buen puerto son las buenas interpretaciones de Helena Bonham Carter y Aaron Eckhart, una pareja que tiene una química especial en los distintos momentos de su encuentro.

A mi juicio el film de Canosa mereció mejor suerte en esta edición de la Semana.

 

MANDERLAY
Lars von Trier

Dinamarca / Suecia / Holanda / Francia / Alemania / EE.UU. 2005

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Como era previsible, la última creación del danés Lars von Trier fue una de las películas destacadas de la Sección Oficial. La segunda parte de la trilogía 'América, El País De Las Oportunidades' nos recrea un artificio próximo al de 'Dogville'. Desde el punto de vista formal el pueblo situado en la plantación de Manderlay es muy similar al espacio físico de su antecesora, al combinar varios objetos representativos en un gran escenario (en este caso de suelo blanco en cuya superficie hay unas rayas pintadas de negro y unos nombres que marcan las calles, viviendas, pozo, jardín...). De esta manera se vuelven a dar la mano elementos reales con otros más imaginarios.

Después de abandonar Dogville, Grace -aquí interpretada por Bryce Dallas Howard en lugar de Nicole Kidman- hace una parada en esta zona de Alabama con el séquito de su padre, un poderoso gangster encarnado por Willem Dafoe. En principio Grace no tenía pensado quedarse, pero al ver la mala situación en la que viven la mayoría de sus habitantes decide residir allí durante un período con el propósito de mejorar las cosas. En parte de ese tiempo permanecerán con ella algunos hombres de su padre.

Una vez más von Trier nos regala un film de gran riqueza que supone otro lúcido estudio sobre la condición humana. En esta ocasión, inspirándose parcialmente en el prefacio de la novela 'Historia de 0' de Pauline Réage -escrito por Jean Paulhan- y en la obra 'American Pictures' de Jacob Holdt, el realizador danés afronta desde su particular punto de vista temas dolorosos como la esclavitud, el racismo y la segregación racial, que inevitablemente se relacionan con la libertad, la coacción, la igualdad, la democracia y la justicia. El resultado es un largometraje polémico y provocador, en el que abre heridas que todavía no están completamente cerradas. El director de 'Rompiendo Las Olas' resume bien en un frase cómo se supone que será su acogida por ciertos sectores estadounidenses: "Creo que ésta será una de las escasas ocasiones en las que los Panteras Negras y el Ku Klux Klan estén de acuerdo, odiarán la película". La visión que se tiene de aquella sociedad sureña de los años 30 del siglo pasado es muy negativa, y el mensaje que se lanza en relación a las posibilidades que tiene la población negra para equipararse a la blanca es claro: el clima social imperante pesa como una losa. Tampoco debemos olvidar la posible relación entre la metáfora que representa la llegada de Grace junto a unos hombres armados, y la actual ocupación norteamericana de Irak que trata de establecer una democracia a la fuerza, en la que posteriormente se observa que los resultados no son los deseados.

A la hora de analizar otros aspectos de 'Manderlay' conviene que se compare con 'Dogville', ya que ambas tienen similitudes de diversa naturaleza, como pueden ser el idealismo y la decisión de Grace (a pesar de que al mismo tiempo siga siendo enérgica y frágil, ahora parece un personaje más maduro y pragmático); y las consecuencias que a veces traen las buenas intenciones y las dificultades existentes para que se produzcan ciertos cambios. Por otro lado, la nueva obra también se estructura en capítulos, posee una fluida narración respaldada por la voz en off, tiene una soberbia puesta en escena que incluye una simbólica iluminación, y goza de un reparto numeroso con un gran trabajo de los actores -en la plantación destacamos a Bryce Dallas Howard, Willem Dafoe, Danny Glover e Isaac de Bankolé-. Además Lauren Bacall, Jeremie Davies y Chloe Sévigny intervienen en papeles distintos a los de 'Dogville'.

Debemos señalar que en relación a la primera entrega de esta trilogía americana, 'Manderlay' cuenta con un guión, también obra de von Trier, más intenso y un ritmo narrativo más dinámico (también hay que tener presente que su duración es inferior). La estética de la obra sigue siendo especial y se desenvuelve entre unos cánones sobrios que incluye planos filmados con steady-cam.

Lars von Trier ha vuelto a realizar una obra maestra madura e inteligente que finalmente compartió el Premio 50 Aniversario con la espeluznante y excelente 'Escondido' de Michael Haneke. Esperemos que 'Wasington', la encargada de cerrar esta trilogía, mantenga el elevado nivel de calidad de las dos primeras entregas.

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PUNTO DE ENCUENTRO

HELADA
Juliet McKoen

Gran Bretaña 2004

fotograma

Extraña historia rodada en un paraje natural situado en el nordeste de Inglaterra que por momentos parece fantasmagórico. La playa de Morecambe Bay es un lugar que parece interminable por ser tan estático; una extensión vasta ideal para que afloren las sensaciones más alucinadas. Kath es una joven atormentada por la misteriosa desaparición de su hermana. Su incapacidad para superar un suceso tan dramático hace que sus pensamientos y sentimientos tiendan hacia la incertidumbre, y se manifiesten con frecuencia en un estado de ingravidez que la aleja de la realidad.

Éstos son algunos apuntes del primer largometraje de Juliet McKoen, un thriller psicológico que trata sobre los efectos de las obsesiones y la esperanza. Influenciada según ha reconocido su propia autora por 'Amenaza En La Sombra' de Nicholas Roeg, 'Helada' logra indagar en el complejo mundo de Kath- espléndidamente interpretada por Shirley Henderson-. Tenemos en el film varias referencias a la psicología y un análisis apropiado de unos personajes que viven cerca de un paisaje irreal muy bien fotografiado por Philip Robertson. Junto a las imágenes en espacios "al aire libre" la realizadora emplea también planos subacuáticos rodados en Suecia, e inserta imágenes de video difuminadas y deformadas que inducen a que juegue la imaginación tanto de la protagonista como del espectador.

 

LA VIDA CON MI PADRE
Sébastien Rose

Canadá 2005

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Uno de los motivos que me impulsó finalmente a ver este largo (dudaba entre otra proyección) era un fotograma gracioso que aparecía en el catálogo de la Seminci 2005: tres personas en una azotea, una chica leyendo un libro, un hombre disparando con una escopeta y un joven -su hijo -lanzándole platos al padre. Al final mis expectativas se acabaron diluyendo, ya que el film acabó siendo irregular. Dos hermanos muy distintos acabarán reencontrándose gracias a la inesperada visita de su padre, un escritor de prestigio que se encuentra arruinado y que además tiene problemas de salud. Los dos hermanos son muy diferentes: el mayor es un alto ejecutivo de una compañía farmacéutica, un tipo casi tan metódico como un robot que empieza a tener problemas con su matrimonio. Mientras que el pequeño va de intelectual al pretender escribir un libro, pero demuestra ser un "incapaz" no sólo para la escritura ("no encuentra inspiración"), sino para vivir de una manera normalizada y responsable. Curiosamente tiene una novia estupenda en todos los sentidos que acabará encandilando a su padre y a su hermano.

El desarrollo de la historia alterna situaciones previsibles con algunas divertidas y bien resueltas, aunque poco a poco va perdiendo fuelle presentando altibajos que son apreciables en lo que podríamos considerar la segunda parte de la cinta, en la cual el drama va cobrando protagonismo. 'La Vida con Mi Padre' no destacará en esta edición de la Seminci, debido a que no logra superar el calificativo de película entretenida, en la que los aspectos distendidos consiguen mejores resultados que los serios. Aun así se deja ver bien y no tiene demasiadas pretensiones, lo cual visto el resultado final es también un punto a su favor. Posiblemente lo mejor sean las interpretaciones de los actores, en especial la de Raymond Bouchard en el papel de padre.

 

LA NOCHE DEL CORTO ESPAÑOL

EL AMOR A LAS CUATRO DE LA TARDE
Sebastián Alfie

El primero de la selección era obra del realizador argentino Sebatián Alfie y estaba inspirado en un cuento de su compatriota Roberto Fontanarrosa. 'El Amor A Las Cuatro De La Tarde' contiene un argumento hilarante que describe los efectos de las telenovelas en un hogar argentino de clase alta a mediados de los 80. Lo más divertido es la cota de histrionismo que se le dota al trabajo, llegando a unos altos niveles de exageración e ironía. A pesar de estar rodado con medios, demostrar buen oficio por parte del director y contar con un curioso giro argumental, en ocasiones puede resultar algo pretencioso. Sin embargo esto último no es óbice para que estemos ante un corto bastante entretenido. Entre sus intérpretes figura Alejandra Majluf, actriz que participó en 'Ay Juancito!' (presentada en la sección Punto de Encuentro de la anterior Seminci).

MANOLA COGE EL AUTOBÚS
Gabriela y Sally Gutiérrez Dewar

fotograma

En mi opinión uno de los cortometrajes más emocionantes del Festival, fundamentalmente por el extraordinario personaje que retrata. Manola es una anciana que ha tenido que luchar duro en la vida para salir adelante. Siendo una persona muy pobre le tocó vivir en un momento en el que la situación social era difícil, pero gracias a su capacidad de trabajo y sacrificio pudo salir adelante y construirse un porvenir para ella y los suyos. El inspirado documental de Sally Gutiérrez Dewar y su hermana Gabriela nos acerca a un personaje anónimo de una riqueza humana enorme. A través de su testimonio va descubriéndonos algunas de sus vivencias más importantes, así como su actual forma de vida.

PAPELES
Eliazar Arroyo Fraile

Rodado en varios lugares de Valladolid, entre ellos la facultad de Filosofía y Letras, este trabajo se alzó con el Premio del Público al mejor corto español. En él se narran las peripecias administrativas que tiene que sufrir una conferenciante de origen árabe para abandonar nuestro país. Técnica adecuada para una historia bien manejada que cuenta con planos logrados (como puede ser el caso del ángulo cenital y el plano general con profundidad de campo), al aprovecharse bien las localizaciones. Las dificultades de la mujer van aumentando y esa circunstancia sirve para introducir no sólo críticas a la burocracia, sino incluso para hacer referencia al clima de terror que tienen las autoridades con parte de la población musulmana. En mi opinión algunos de estos aspectos restan consistencia a la obra.

PONYS
David Planell

Las criaturas nocturnas saben que los ratos de borrachera pueden dar mucho de sí. En este corto vemos cómo tres mujeres que rondan los treinta años mantienen una charla animada y aguda de sobremesa. Los ponys, que según un peculiar punto de vista son los momentos infantiles que pueden llegar a ser traumáticos, rápidamente ocupan el eje de la conversación y devienen en diálogos y reacciones cargados de sorpresas. A través de la confesión, a veces forzada por la "presión ambiental", de momentos personales de la vida de cada una de las protagonistas conocemos varias miserias de estas jóvenes. Humor negro y mala uva se dan la mano en un cortometraje muy entretenido donde la agilidad de la acción es su mayor virtud. Su director David Planell cuenta con experiencia como guionista en televisión y eso se aprecia, dando como resultado un trabajo inspirado.

O TEMPO DOS BULLÓS
Chus Domínguez

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Muy diferente de la anterior fue la última propuesta de la velada. 'O Tempo Dos Bullós' es un viaje a una pequeña población de la Galicia rural donde se puede apreciar cómo las formas de vida tradicionales se siguen manteniendo. Si en la pasada edición de la Seminci fue Aki Kaurismäki quien se acercó en el corto documental de 'Visions Of Europe' a Bico, un pueblo del norte de Portugal, ahora es Chus Domínguez quien retrata otro lugar relativamente cercano a aquél, en el que parece que el reloj avanza muy lento. En este caso el director leonés opta por un trabajo personal y arriesgado, en donde la belleza de las imágenes en blanco y negro ostentan el protagonismo. A diferencia del cortometraje del realizador finlandés, en el que se retrata a los habitantes de la aldea, aquí parece ser que se quiere conocer la naturaleza de un lugar. El método utilizado es una permanente búsqueda de la estética, ya sea cuando la cámara sigue la rueda de un viejo carro, o cuando se emplean planos fijos de cuidados encuadres y certera iluminación. Aunque algo incomprendido por un sector del público, el trabajo es de una notable fuerza visual ya que la excelente composición de varios planos se ve potenciada por una fotografía envejecida, obra del propio Domínguez, que nos puede retrotraer varias décadas.

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TIEMPO DE HISTORIA

El nivel de calidad de los documentales programados en la Seminci suele ser óptimo y siempre nos permite ver algunos títulos excelentes. En esta ocasión lamentablemente no he podido visionar algunos filmes que han conseguido galardón, como 'Cuadernos De Contabilidad De Manolo Millares' de Juan Millares y 'La Dignidad De Los Nadies' del argentino Fernando "Pino" Solanas (ambos Premio Tiempo de Historia), o '13 Entre Mil' de Iñaki Arteta (segundo Premio). En esta edición de la Seminci no hemos contado con el ciclo Docs In Europe, que el año pasado alcanzó su tercera y última entrega, y supuso un magnífico complemento a la sección Tiempo de Historia. Sin embargo sí que pudimos rescatar -al igual que hizo años atrás la extinta sección citada con clásicos como 'La Bestia De Acero' (1935) de Willy Zielke y 'El Duro Camino Hacia Dublín' de Peter Lennon (1968)- un largometraje extraordinario como 'Soy Cuba' (1964).

La película de Mikhail Kalatozov es una joya casi desconocida que ha permanecido en el olvido durante varias décadas y que ahora debe ser ensalzada. En 1961 surgió entre el régimen soviético y el cubano la idea de hacer una obra sobre la reciente revolución en el país caribeño. Para esta empresa se pensó en Kalatozov (Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1958 por 'Cuando Pasan Las Cigüeñas') como director y éste confió el guión a dos jóvenes escritores, el ruso Yevgeny Yevtushenko y el cubano Enrique Pineda Barnet. Con un equipo técnico formado principalmente por personas de ambas nacionalidades, el resultado es un viaje que se desarrolla en base a cuatro historias, dos ambientadas en la Habana y el resto en otros lugares (la última en la Sierra Maestra).

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Si bien 'Soy Cuba' puede ser algo criticable en su contenido o en su guión, en ningún caso puede encontrar objeción en el terreno visual. Desde los prolongados planos aéreos iniciales de la naturaleza hasta la épica de los momentos finales, los 140 minutos de metraje son una exploración de la belleza cinematográfica a través una increíble técnica. La cámara por lo general es osada e inquieta, ya sea en las escenas del club donde el frenesí del rock primitivo y el jazz se conjuga perfectamente con el movimiento de las imágenes, o en dos de los ejercicios de estilo más deslumbrantes: el largo plano secuencia del hotel y el de la manifestación. Si a ello le añadimos la espectacular fotografía en blanco y negro de Sergei Urusevski llegamos a la conclusión de que Martín Scorsese y Francis Ford Coppola estaban en lo cierto cuando dijeron al descubrir el largo en 1995 que era una obra maestra.

En una época en la que el cine de la isla caribeña bebía principalmente del neorrealismo italiano y de la nouvelle vague, es un hecho interesante para cualquier cinéfilo la irrupción de una obra que guarda conexiones con el cine de vanguardia ruso, y que en algunas ocasiones no muestra el verdadero espíritu cubano. El itinerario de esta película de propaganda estuvo plagado de dificultades que tuvieron un triste desenlace a los pocos días de su estreno, cuando las autoridades soviéticas y cubanas decidieron retirarla de las pantallas. Aunque haya sido con unos cuantos años de retraso, por fortuna hemos podido ver finalmente este fantástico despliegue de medios, recursos y talento.

El logrado documental 'El Mamut Siberiano' del brasileño Vicente Ferraz (segundo premio Tiempo de Historia junto con '13 Entre Mil' de Iñaki Arteta) reconstruye el rodaje de 'Soy Cuba', y los momentos previos y posteriores desde la admiración que le produce a su director la película. A través de la documentación, de los testimonios y opiniones de varias personas que trabajaron en el proyecto, y del análisis de algunos de los planos más inspirados, conseguimos tener una información valiosa sobre lo que rodeó al largo. Además, se pone de manifiesto su influyente papel no sólo en el cine cubano, sino también por extensión en algunos filmes latinoamericanos. Pese a todo, los motivos por los que las autoridades de ambos países retiraron el largometraje siguen siendo poco claros, aunque un visionado de ambas películas le proporcionará al espectador los datos necesarios para imaginar una respuesta.

Una obra que a priori prometía ser interesante fue 'Mundo Nuevo' del austriaco Paul Rosdy. Un tema como el grandioso Imperio Austro-Húngaro dejaba entrever buenas posibilidades, aunque al final el documental se quedó en mi opinión en más intenciones que realidades, ya que resultó por momentos lento y lineal. En una especie de road movie que se desplaza a través de varios lugares del antiguo Imperio -tanto zonas rurales como urbanas- el director trata de enseñarnos varios aspectos de sus gentes, entre ellos su diversidad y sus costumbres a través de elementos folclóricos como la música.

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Sirviéndose en muchos casos de una documentación abundante, que incluía películas antiguas del siglo pasado y periódicos, conocemos diferentes lugares en el presente y en el pasado de estos pueblos. Rosdy tiene en cuenta la "historia oficial" pero da prioridad en este trayecto a las anécdotas, las leyendas y las historias cotidianas. El recorrido nos llevará por la antigua Yugoslavia, Austria, Rumanía y Ucrania por citar algunos territorios. Este afán de optar por un determinado enfoque hace que distribuya sus paradas de manera desigual, ya que apenas presta atención a Viena, mientras que en otros casos realiza una parada larga, como puede ser el caso de Ucrania.

El último documental que vi fue 'Cineastas En Acción' de Carlos Benpar. En esta cinta, que podría considerarse una especie de continuación de 'Cineastas Contra Magnates', el realizador catalán vuelve a poner el grito en el cielo contra cualquier tipo de manipulación de la obra fílmica originalmente concebida por el director de cine. A lo largo del metraje Benpar demuestra a través de las entrevistas realizadas a cineastas relevantes como Bernardo Bertolucci, Bertrand Tavernier, Claude Chabrol, Francesco Rosi o Woody Allen, por citar a unos pocos, su opinión convencida sobre la necesidad de defender el derecho moral de que un filme no sea manipulado. Estas manipulaciones pueden adoptar distintas caras; la más antigua posiblemente sea la del doblaje, pero también tenemos otras como el coloreado, el cambio de formato, las alteraciones en la banda sonora, la inclusión de publicidad que rompe el ritmo narrativo, la inserción del logotipo de la cadena de TV durante la emisión, o de manera más reciente la censura digital de algunas compañías norteamericanas.

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Principalmente a través de imágenes de grandes películas del cine, de imágenes de archivo (entre ellas un divertido testimonio de Salvador Dalí), de entrevistas y de la inserción de dos historias de ficción -una de ellas en mi opinión innecesaria y algo desafortunada-, Benpar trata de concienciarnos de un problema que sufren los artistas y que presenta dos concepciones legales diferenciadas: la americana (en la que el productor dispone de los derechos de la obra, lo que le permite manipularla) y la europea, en la que parece ser que se protege más al cineasta.

A pesar de que en algún momento llegó a ser un poco reiterativo, el documental resulta entretenido gracias a su ritmo hábil y a su montaje, y consigue hacernos reflexionar sobre este tema. Una vez concluida la proyección, durante el encuentro con el público, un amigo mío me comentó que se le pasó por la cabeza preguntarle a Carlos Benpar cómo le sentaría si una televisión estatal emitiera su película doblada al castellano (su "idioma oficial" era el catalán) e insertaran en ella anuncios. Podemos suponer cual sería su respuesta.

BORJA SÁNCHEZ MAYORAL Noviembre 2005

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